HISTORIA

 

HISTORIA DE LA MÚSICA

7. CLASICISMO

Para la música, el término clásico surge tardíamente. Desde la recuperación de los conceptos de arte y estética de los periodos greco-romanos surgidos en en Renacimiento, solo la música fue el único arte que tuvo una ligera demora de la representación conceptual de este periodo. En principio y esencialmente por la notación musical, que como debemos recordar, no tuvo su referente greco-romano a diferecia de otras disciplinas, sino más bien tuvo un desarrollo independiente y transitorio desde el Medioevo hasta el siglo XVII. Por lo tanto el concepto de clásico ya usado en otros tramos del arte desde le siglo XVI se aplica con certeza ahora en la música del siglo XVIII.

La ópera ya perfectamente establecida como estilo de gran expansión tiene sus grandes representaciones en obras como Orfeo ed Euridice de Gluck o Las noches de Fígaro de Mozart, quienes establecen reformas compositivas sobre el aspecto melódico y contrapuntístico vocal y que representan así mismo la idea de cambios en las técnicas instrumentales propias del periodo. El concepto de "clásico" empieza a tomarse en consideración como una forma de interpretación basada en el equilibrio y la simetría: el intento por delimitar un contrapunto derivado hacia uno con menor carga armónica y con diferentes texturas pero sin explotar la multiplicidad de colores tímbricos de los instrumentos.

Este concepto permite identificar a este periodo con un sonido homofónico en donde básicamente encontramos una textura donde dos o más voces se mueven simultáneamente y están relacionados armónicamente. Los cambios principales se dan en el terreno instrumental para su mejor exploración y es acá en el periodo clásico donde surge el concepto de Sinfonía, Cámara, Orquesta, Concierto y la forma Sonata.

El tratamiento de la melodía y el acompañamiento es equilibrado y simétrico, es decir que la melodía está provista principalmente de intervalos conjuntos, arpegios triádicos, pocos saltos y su composición está íntegramente basada en la armonía tonal. En el aspecto del acompañamiento hay un contrapunto equilibrado, relacionado con la línea melódica, sin mucha saturación y funcionando no solo como un elemento complementario a la melodía sino también ornamento a la misma. Hay vinculación de aquellos intrumentos cuyo rol es contrapuntístico con el carácter homofónico para que la melodía cobre una faceta más cantable.

Desde este punto tonal, la relación de la melodía con el acompañamiento va a reflejar las relaciones armónicas según su carácter y su función, es así como van a surgir no solo desde el aspecto teórico sino práctico, la relación entre acordes con función de tónica, subdominante y dominante, las cadencias típicas de resolución de una frase que componen la forma estilítica del clasicicsmo y las técnicas contrapuntísticas y de orquestación. En cuanto al aspecto rítmico sobresalen métricas fijas (sin cambios), constancia en los pies de división (binario o ternario), tempo regular (sin cambios) con muy pocas variaciones de estos. El uso del ritmo es un remanso del concepto de equilibrio clásico.

Estilo y Forma Sonata

El estilo instrumental más sobresaliente del clasicismo es la "Sonata", que puede ser interpretada con distintos tipos de formas instrumentales tales como la orquesta o la música de cámara. La sonata suele estar compuesta de 3 o 4 partes llamadas movimientos y cuya primer parte también recibe el nombre del estilo: Sonata. Así pues, existe también la forma sonata (interna al estilo sonata) que está conformada principalmente por tres aspectos melódicos importantes: la exposición (que suele estar en una única tonalidad), el desarrollo (también misma tonalidad pero con un desarrollo motívico más amplio) y la reexposición (puede cambiar de tonalidad o cambiar de textura, es decir de orquestación). Estos tres elementos son los que componen la forma sonata y es características del primer movimiento del estilo tambien llamado Sonata.

El segundo movimiento es un Adagio, con tempo lento. Se aprecia la melodía sutílmente y contrasta de manera ejemplar con el contrapunto, su forma suele ser A - A, B - B. El tercer movimiento es un Minueto en 3/4 y el cuarto puede ser la reexposición en distinta tonalidad del primer movmiento (es decir de la forma sonata) o bien un rondó.

Sinfonía, Música de cámara y Concierto

La sinfonía es una composición instrumental para orquesta que tiene sus orígenes en las oberturas de las óperas. La obertura es una pieza instrumentale que funciona como introducción a la ópera y presenta los motivos melódicos que identifican al personaje, paisaje, situación, drama, etc. La sinfonía surge como ampliación de estas oberturas convierténdola en una composición larga estrictamente instrumental y de estilo Sonata. Por otro lado el estilo Sonata interpretado por pocos instruementos como duos, trios, cuartetos, etc se denomina Música de Cámara ampliamente usado en recintos cerrados, pequeños y para un público selecto. Finalemte el Concierto es básicamente una Sinfonía de 3 movimientos (instrumental - sonata) pero con la particularidad de tener un fragmento especialmente escrito para un solista, aunque hay conciertos en donde no había una línea escrita para el solista lo que le permitía  improvisar mostando sus habilitades técnicas. De allí provienen la terminología de "Concierto para...(determinado instrumento)"

 

Muchos compositores fueron sobresalientes en varias de las formas tanto sinfónicas, de cámara, cocnierto y ópera. Sin embargo destacan Giovanni Platti, Domenico Paradies, Luigi Boccherini, Carl Phlipp Emanuel Bach, Haydn, Mozart y Beethoven para música de cámara y nuevamente Haydn, Mozart, Beethoven, Johann Christian Bach para las sinfonías.

El clasicismo es un perdiodo que ha dejado varias esquelas temporales de términos y conceptos que aún conservamos como el concepto de concierto, orquesta y sinfonía. Ha marcado una fuerte influencia estilistica sobre los compositores futuros y que en esencia son un desarrollo y un paso más en la escala evolutiva musical.

Germán Sandoval

Músico y Docente